Неочевидни причини, поради които обичаме някои филми и ни е трудно да понасяме други

2024 Автор: Malcolm Clapton | [email protected]. Последно модифициран: 2023-12-17 03:47

Тънкостите на монтажа, техниките на камерата и други трикове, които ви позволяват да усетите атмосферата.

Най-често, когато се обсъжда кино, хората говорят за сюжета и актьорската игра. Разбира се, това са важни компоненти на всеки филм. Но се случва така, че не можете да откъснете поглед от снимка, въпреки че действието се развива много бавно, а друга история бързо става скучна, въпреки многото събития. Някои автори успяват да накарат зрителя да повярва в най-фантастичните завои, а други правят дори реални ситуации като играчки. И просто е хубаво да гледаш някои ленти, докато други са трудни.

Работата е там, че освен сюжета и актьорите, има много интересни техники, които режисьорите използват, за да помогнат на зрителя да усети действието и да се наслади на случващото се на екрана. Тези тънкости може дори да не се забелязват, но все пак силно влияят на възприемането на картината.

Цветен спектър

Първото нещо, което трябва да забележите, е, че цветовете във филмите често изобщо не са същите като в реалния живот. Може да е съвсем очевидно (например, ако картината е черно-бяла), или не го осъзнавате веднага. Но това не е случайно.

Създаване на атмосфера

С помощта на цветовете можете по-добре да предадете атмосферата на случващото се, да създадете настроение на зрителя и дори да покажете чувствата на самите герои.

Вземете за пример популярния франчайз X-Men. В основната серия от филми ярката и богата картина прилича на комикси. И за разлика от тях в ноар "Логан", където се говори за старостта и умората на героя, са избрани по-бледи тонове.

Кадър от филма "X-Men: Апокалипсис"

Кадър от филма "Логан"

Във филма "Mad Max: Fury Road" по-голямата част от действието се развива в горещ пустинен район. Логично е картината да е заснета в жълто-оранжеви нюанси, които ви карат да усещате палещото слънце и сухотата.

За по-голяма яснота можете да вземете рамка и да промените цветовата схема. Веднага ще изглежда, че е станало по-студено.

Кадър от филма "Лудия Макс: Пътят на яростта"

Същата рамка, но в студени цветове

За да се създаде контрастна картина, съвременните блокбъстъри и като цяло масовото кино са направени по-синьо и оранжево.

Но известният Уес Андерсън обича мека розова палитра. Придава на зрителя усещането за стар романтичен филм. И всичко, което се случва, се възприема по-спокойно и по-лесно.

Когато искат да създадат атмосфера на бъдещето и фантазията, те също често се обръщат към синята гама. И особено обичат неоновите цветове, които са здраво свързани в главата на зрителя с киберпънка и технологиите.

Излишно е да казвам, че създателите на филми на ужасите предпочитат тъмните цветове. Има няколко причини за това. Разбира се, това отчасти е начин за изпомпване на атмосферата. Много хора вече се страхуват от тъмното, а във филмите на ужасите в него се крият и чудовища.

Освен това тъмната картина ви позволява леко да скриете несъвършенствата на графиката или грима и да спестите от производството. Вярно е, че в това има опасност: ако затъмните кадъра твърде много, тогава зрителят може просто да не види какво се случва на екрана, особено в лошо кино или на стар телевизор. Така например беше във филма Slenderman от 2018 г.

Въпреки че някои оригинални режисьори могат да играят в контраст. Например Ари Астер в „Слънцестоене“показа типичната атмосфера на филм на ужасите: героите се озовават в изолирано село, където се случват ужасни неща.

Но в същото време картината е много ярка, в нея почти няма тъмни сцени, а дрехите на героите са снежнобяли. И това го прави още по-страшно, защото няма къде да се скриеш от ужаса.

Разделяне на части от сюжета

Един филм може да има няколко различни цветни филтъра. Те се използват за по-ясно разделяне на сюжетните линии. И с правилния талант, този подход помага за озаряване на картината.

Матрицата е чудесен пример. Логото на тази лента е направено със зелени кодови символи, обозначаващи програмата, в която живеят хората. Ето защо всичко, което се случва във виртуалния свят, беше заснето през зеленикав филтър. И реалните събития са показани в синьо.

Сцена от филма "Матрицата", екшън във виртуалния свят

Сцена от филма "Матрицата", екшън в реалния живот

И едва в самия край на третата част, когато хора и машини сключват мирно споразумение, в кадъра се появяват едновременно чисти сини и зелени цветове.

В „Начало“на Кристофър Нолан героите преминават от реалния свят към сън, след това към сън в сън и т.н. За да раздели по-ясно „слоевете“, режисьорът избра своя цветова схема за всеки от тях.

Кадър от филма "Начало", първият сън

Кадър от филма "Начало", втори сън

Кадър от филма "Начало", трети сън

На първото ниво на сън всичко е заснето в синя палитра, второто е жълто, третото е бяло. И само в последния сън всички нюанси се събират отново, както в реалния свят.

В Blade Runner 2049 от Дени Вилньов различни цветове отразяват както местоположението, така и вътрешното състояние на главния герой.

Кадър от филма "Blade Runner 2049"

Кадър от филма "Blade Runner 2049"

Кадър от филма "Blade Runner 2049"

Кадър от филма "Blade Runner 2049"

Всичко започва с героя на Райън Гослинг, който се лута в мъглата, след което преминава през гореща оранжева пустиня, неонов футуризъм и нощен наводнение. И историята завършва на снежнобял фон, отразяващ спокойствие и пречистване.

Отказ от цвят

Имало едно време всички филми са били черно-бели. Просто защото не са знаели как да снимат по друг начин и е било възможно да се оцветяват кадрите само на ръка. След това се появиха цветни филми и кинематографията стана много по-реалистична.

Но в същото време черно-бялата фотография не е изцяло в миналото. Все още се използват за художествени цели. Например, за да очертаете различни светове или сюжетни линии.

И така, в „Магьосникът от Оз“през 1939 г. цветът се появява, когато Доли влиза в приказния свят.

Кадър от филма "Магьосникът от Оз", обикновен свят

Кадр от филма "Магьосникът от Оз", приказна земя

В „Сталкер“на Андрей Тарковски цветовете също липсват в обикновения живот на героите. И когато героите попаднат в мистичната "Зона", светът става светъл - тук хората наистина се разкриват.

Или все едно Кристофър Нолан в лентата "Запомни" показа една част от действието в директен ред, а втората - в обратната. Следователно половината от филма е заснет цветно, а другата е черно-бяла.

Кадр от филма "Запомни", директна поръчка

Кадр от филма "Запомни", обратен ред

В допълнение, черно-бялата картина ви позволява да подчертаете определени детайли по-ярко, като просто добавите цвят към тях. За първи път Сергей Айзенщайн прави това, когато рисува ръчно знамето на линкора Потьомкин от 1925 г.

Впоследствие тази техника се използва в напълно различни жанрове. В „Списъкът на Шиндлер“на Стивън Спилбърг появата на момиче в червено палто се превръща в един от най-емоционалните моменти.

И дори във филма от комиксите Sin City този подход се използва многократно, с акцент върху червено червило, ярки очи или кръв.

Рамкова конструкция

Правило на третините

Един от основните принципи както на филма, така и на фотографията. Това е нещо като опростено правило на "златното сечение".

Просто е: при снимане екранът е разделен на три части вертикално и хоризонтално. Най-важните елементи за парцела трябва да бъдат разположени на тези линии, както и на тяхното пресичане. Това ще улесни зрителя да се съсредоточи върху желаните точки.

Поставете в квадрат

Ако условно разделите кадъра наполовина или на четири равни части, тогава можете да накарате зрителя да разбере без думи какво място заема героят в историята.

Тази техника се вижда най-ясно във филма "Шофиране" на Никълъс Уиндинг Рефн. Например, ако лицето на главния герой е показано в горния ляв ъгъл, а в следващия кадър се появи друг герой на същото място, това е намек, че героите ще бъдат съперници.

Освен това един и същи Refn може да разкаже две истории паралелно: в горната и долната част на екрана или в лявата и дясната половина. Зрителят може да не забележи този ход, но все пак възприятието на героите ще бъде по-пълно. Освен това е просто красиво.

Симетрия

Друга психологическа и естетична техника едновременно. Често снимките, където лявата половина отразява дясната половина, се правят само за красота.

Но понякога те предават противопоставянето на героите. И ако героят се погледне в огледалото, това ще покаже тъмната му страна или разликата между мечтите и реалността. Накратко, всяка алегория, която може да се мисли за размисъл.

Кадър от филма "2001: Космическа одисея"

Кадър от филма "Сиянието"

Кадър от филма "Жокер".

Холандски ъгъл

За да покажат нестабилността на главния герой, неговите съмнения за нещо или проблеми с паметта, те използват много визуална техника. „Холандски ъгъл“означава, че камерата не снима права, а наклонена. Много примери за този подход могат да бъдат намерени във филмите на Дани Бойл.

Необичайно е зрителят да гледа картината от ъгъл, така че той по-добре възприема неудобното състояние на героя.

Тук обаче е важно да се спазва мярката. Например катастрофалният филм "Battlefield: Earth" е заснет изцяло под ъгъл. Но след час и половина зрителят най-вероятно просто ще има болки във врата.

Стрелба отдолу и отгоре

Друга от простите, но ефективни техники, която ви позволява да предадете самочувствието на героите. Така можете да покажете например кой е господар на ситуацията. И тогава веднага си спомням лентите на Куентин Тарантино, където героите гледат надолу в багажника.

Кадър от филма "От здрач до зори"

Кадър от филма "Резервоарни кучета"

А стрелбата отгоре ви кара да почувствате, че героят се чувства несигурен. Ето колко смешно го изиграха в известната сцена от филма „За какво говорят мъжете“, където персонажът на Камил Ларин като дете се оправдава с портиера в скъп ресторант:

Диалог и движение

Фоново действие

Техника, която най-често се използва в комедия или хорър. На преден план не се случва нищо интересно. И всичко най-важно се разгръща на фона, който може да бъде затъмнен или замъглен.

Например главният герой на филма „Зомби, наречен Шон“отива в магазина. Всичко е много светско за него. А на заден план има истински апокалипсис:

В зависимост от жанра и представянето, това може да създаде или много забавен ефект, или напрежение - толкова често главните крещящи са скрити във филмите на ужасите.

Разговорите в движение

Най-често срещаният тип диалог във филмите е, че героите седят и чатят. В този случай камерата традиционно превключва между лицата.

Но ако сцената продължи твърде дълго, тогава зрителят ще се умори от постоянното повтаряне на едни и същи ъгли. Следователно добрите режисьори или допълват, или променят обстановката на такива сцени.

Така че във филмите на Куентин Тарантино героите говорят почти постоянно. Но майсторът не ви позволява да се отегчите, защото диалозите могат да се водят по време на шофиране. Поради постоянната смяна на фона, действието не изглежда монотонно.

И дори героите да са в една стая, камерата не се превключва просто така. Тя може да се движи около тях, създавайки ефект на присъствие и дори участие в разговора. Почти всички герои могат да се видят без ненужно редактиране.

Nicholas Winding Refn успява да използва вече споменатата игра с цвят и отражение в прост разговор. В Drive изглежда, че първият диалог на главните герои изглежда много прост.

Но в същото време героят на Райън Гослинг винаги е на син фон (тази цветова схема го придружава през целия филм). А героинята Кери Мълиган стои до оранжевите стени. И това показва, че нещо ги разделя, въпреки че са близки.

Правилото на 180 градуса

Има още един важен момент по време на снимките. Ако преместите камерата на повече от 180 градуса при смяна на ъглите, зрителят ще се обърка. Например, когато героят бяга, ще изглежда, че се е обърнал и се движи в обратна посока.

И това е също толкова важно дори по време на диалози. За да не се създаде впечатление, че всички в кадъра са се преместили рязко, операторът и режисьорът избират определена линия, отвъд която камерата не трябва да излиза.

Любопитно е, че съзнателното нарушаване на това правило може да се използва само за да обърка зрителя, да покаже объркването на героя. И с надлежно въображение, авторите създават по-необичайни сцени. Например разговорът на Голъм със самия него. Героят просто е показан от различни страни, но това създава ефекта, че има двама високоговорители и те са в диалог.

Характеристики на инсталацията

Монтажът ви позволява да направите действието на филма по-динамично, като „прескачате“скучните моменти от живота и ви позволява да погледнете случващото се от различни гледни точки. Най-простата му форма е разказ. Тоест събитията в кадъра се случват едно след друго. Това беше най-ясно обяснено в „Човекът от булевард Капуцини“.

Но можете да покажете събитията от филма по различен начин и за това те използват различни техники.

Паралелна инсталация

За разлика от последователното разказване на истории, понякога авторите искат публиката да види какво се случва по едно и също време на различни места. И тогава режисьорите се обръщат към паралелен монтаж.

Това прави сюжета по-пълен със събития. Но трябва да внимавате. В крайна сметка, ако покажете на свой ред сцените, които се случват по едно и също време, може да останете с впечатлението, че всяка от тях продължава по-дълго.

Ярък пример за неуспешно паралелно редактиране е "Ярост-6". Героите се опитват да избягат на самолет, който се движи по пистата, коли ги преследват, а вътре в лайнера се води битка.

Авторите демонстрират толкова много събития наведнъж, че на екрана самолетът сякаш се ускорява за поне 15 минути. Излишно е да казвам, че това убива целия реализъм на ситуацията?

Кристофър Нолан, от друга страна, е широко смятан за майстор на паралелното редактиране. Режисьорът го използва в много от творбите си, но „Началото“е най-добрият пример. Събития на различни нива на сън се случват едновременно и с различна скорост (при по-дълбок сън времето се движи по-бавно).

Тук вече споменатото разделяне на цветовете се добавя към действието и зрителят не се обърква в случващото се, а осъзнава цялата глобалност на събитията.

Между другото, интересно е, че във филма "Дюнкерк" Нолан е още по-остроумен с тази техника. Той показва паралелно събитията, които се случват на земята, във водата и във въздуха. Всъщност хронологията е съвсем различна и всичко се сближава само на финала.

Flashbacks и Flash Forwards

Понякога авторите вграждат спомените си от миналото – ретроспекции – в линейната история на героите. Това могат да бъдат много кратки проблясъци от няколко секунди или цели сюжетни линии.

Голям фен на такива моменти е Жан-Марк Вале. Така той добавя напрежение към привидно спокойните сцени. Или дава да се разбере, че героят мами някого: казва едно, но в спомените му се появява нещо съвсем различно.

Не е трудно да се досетите, че flashforwards са едни и същи истории, но от бъдещето. Те се използват по-рядко, обикновено в научна фантастика или мистични истории. На такава техника те дори изградиха цяла серия, където по време на определено затъмнение всеки човек вижда някакъв момент от своето бъдеще.

И по-нататък по сюжета всеки се опитва да разбере причините за случилото се и да разбере значението на своите видения. Сериалът беше наречен така: Flashforward (в руски превод - "Запомни какво ще се случи"). Вярно, той издържа само един сезон.

Скачане

Тази техника вече се прилага за линейно редактиране. Това означава рязък преход между кадрите. Използват го за съвсем различни цели.

В Little Shop of Horrors на Франк Оз подобен монтаж помага да се покаже дългият и скучен ход на времето.

Но Ларс фон Триер, който също често използва скока в творбите си, предава по този начин емоционалния стрес и психологическата нестабилност на героите. Снимането по този начин прави картината по-„нервна“. В лентата "Идиоти" това е много подходящо:

Редактиране във форма и звук

За да могат различните събития, показани във филма, да се възприемат като продължение едно на друго, авторите често използват визуални съвпадения. Тоест очертанията на някакъв обект в един кадър се повтарят в следващия. И понякога може да изглежда много остроумно.

По същия начин можете да „закачите“зрителя със звук. Крясъкът продължава със свирката на парахода, а индустриалният тътен се заменя с музика със същото темпо. Или съскането на повредена тръба се превръща в пукане на печено месо.

Освен това звукът може да е малко по-напред или да изостава от това, което се показва на екрана. Това се прави, за да се направят сцените по-свързани. Тоест зрителят все още чува реч и шумолене от предишния кадър, но действието вече се е променило. Или обратното.

Липса на инсталация

Това е смел ход: режисьорите снимат дълги сцени, без изобщо да редактират, или го скриват по различни начини.

Това прави случващото се на екрана по-реалистично, дава на зрителя усещане за темпото на самата история. Но, разбира се, този подход изисква много повече репетиции и инвестиции. В крайна сметка, по време на обработката, можете да изрежете неуспешни малки неща.

И така, Джо Райт във филма "Изкупление" показа петминутна сцена с евакуацията на войските от Дюнкерк по време на Втората световна война. 1300 души са участвали в сцената на тълпата, като оборудването се движи в кадъра, а на заден план се случват експлозии. Именно този подход предава целия мрак и хаос на случващото се.

Съвременните технологии дават възможност за по-прецизна работа с инсталацията. И това помогна на Алехандро Гонзалес Инярит да застреля Birdman. В него дори не забелязвате веднага, че цялото действие е показано в един непрекъснат кадър.

Всъщност монтажът е там, но скрит. Снаждането се прави, когато камерата преминава през някакъв тъмен елемент.

А "Руският ковчег" от Александър Сокуров изглежда още по-силен. Действието се развива в Ермитажа, а на режисьора е даден един ден за снимките. Затова той реши да заснеме картината без залепване.

Отнеха седем месеца репетиции с 800 статисти. В резултат на това от третия дубъл те заснеха цял филм с продължителност 1 час и 27 минути.

Всъщност има много повече такива тънкости. Но много от тях вече изискват дълбоки познания по режисура и операторско майсторство. Това са просто прости примери, които могат да се видят в много филми. И когато гледате следващата снимка, със сигурност ще бъдете поразени от "холандския ъгъл" или дълъг кадър без редактиране. Но това няма да разруши магията на киното, а напротив, ще направи гледането още по-интересно.